1918 Celebrando el final de la guerra con influenza

¿Noticias o popaganda política?
Hoy no han cambiado mucho las cosas…

Chequen el final:
«And so San Francisco celebrates in 1918 because the war is over, and there will never be another»

El documental social: El trabajo – En construcción de José Luis Guerín

Guerín retrata este barrio de Barcelona a través del proceso de construcción, que se vuelve esencial ya que la película basa su estructura temporal en dicho proceso. Nos damos cuenta de esto por ciertos elementos que van cambiando lentamente, mismos planos que revelan el avance de la construcción.

La excavación es un buen punto de partida, porque podemos ver a la gente que se acerca y opina, con esto nos muestra ciertos detalles de la forma de ser de la gente, son retratados. Los detalles estarán presentes durante toda la película, con personajes más específicos.

Los personajes están muy bien escogidos, y se desarrollan durante la película por pares. En ellos podemos ver como cambian partes importantes de sus vidas. Por un lado, tenemos la descripción del oficio de la construcción con los obreros que son los personajes del marroquí con el gallego. El ponerlos juntos marca un contrapunto muy interesante al descubrir la sensibilidad poético-marxista contra el escepticismo individualista del gallego que convierte sus pláticas en algo cómico e interesante.

Por otro lado, tenemos a los que observan cómo cambia, los que viven en el barrio. Entre ellos están los viejitos que representan el pasado, el grupo de niños que juega en la construcción, Juani y su novio. De esta pareja es muy interesante ver momentos de gran intimidad, reflejadas en situaciones poéticas, como lo es la secuencia del final, en donde ella lo carga por la calle. Es representativo de la situación del barrio, en donde encontramos personajes como Juani, orillada a dedicarse a la prostitución, es un barrio marginal, de los que podemos ver partes de su realidad, su vida cotidiana.

La fotografía en video es muy cuidada. Casi siempre tenemos un plano fijo y la cámara no se mueve. Con ayuda de dos cámaras, crea una gramática visual limpia y nos mantiene atentos al movimiento dentro del cuadro, manteniéndose como un observador. Deja que la cámara capte el movimiento.

Es cierto que Guerín escenificó varias de las escenas, con la evidencia de que parecen ficción, pero claramente son sacadas de la realidad. Sin embargo, podemos ver situaciones muy naturales, que están documentadas que son inverosímiles hasta para una película de ficción. Por ejemplo el albañil que recita una poesía, el viejito que saca sus tesoros, comprados en puras tiendas de chacharas chinas. Nos revela que la realidad tiene muchísimos más matices que la ficción puede imaginar como reales.

Como producto, la película nos hace reflexionar sobre la transformación de las ciudades, cómo cambian los barrios, la «modernización». En este ejemplo, los edificios de los barrios marginales se destruyen para crear departamentos caros, creando una gran transformación al barrio y muchas veces creando descontento en sus compradores de departamentos al no tener una vista «bonita» de los vecinos.

Más construcciones / transformaciones de ciudades:

APRILI de Otar Iosselliani

A través de una historia de amor, la película nos habla del desarrollo de las ciudades influye también un cambio cultural, en donde los valores tradicionales y los modernos se ven enfrentados, y todo lo que en ellos implica. Una película que por su poesía y universalidad, no son necesarios los diálogos o subtítulos, capturando de manera cómica e inteligente una crítica a la sociedad materialista.

La pueden bajar de aquí..
http://avaxhome.ws/video/genre/art_house/aprili_by_iosseliani.html

Otra mirada sobre el trabajo: Textos

Historia del trabajo
http://www.moviments.net/sostenibilidad/decreixement/textos/argumentspeldecreixement/historiatrabajo.pdf

La última parte sobre los aborígenes australianos es bastante interesante.

La Abolición Del Trabajo
por Bob Black
http://www.librosgratisweb.com/pdf/black-bob/la-abolicion-del-trabajo.pdf

Es un texto interesante en contra del trabajo como lo concebimos actualmente. Te hace cuestionar el sistema y la idea de trabajo que tenemos.

Antropoólogo
http://es.wikipedia.org/wiki/Marshall_Sahlins

Los peores trabajos del mundo (según esta página)
http://www.worst-jobs.com/index.htm

El documental social: El trabajo – Las estaciones de Artavazd Peleshian

En sus películas, Artavazd Peleshian utiliza lo que el llama «montaje distante»
Esta es una forma de edición más espiritual donde el razonamiento se queda atrás. Hay una asociación intuitiva entre las imágenes; el montaje es la película como un todo, en contacto con el movimiento del universo. Es por esto que el efecto en el espectador es tan impresionante durante la experiencia, pero a la vez tan indescifrable para la razón. Escribir sobre esta película se me dificultaba mucho y no sabía que decir, pero luego de leer una entrevista con Peleshian, no encontré necesario expresarme:

«The difficulty is that one cannot express with words what one finds in my film. If is there possible to say it with words, the films would be useless. (…) One should not talk about films, one should watch them. »

Entrevista con Peleshian

Veamosla entonces:

Más películas de armenios: Sergei Parajanov

De Bill Morrison:

Documental social: El trabajo – La sangre de las bestias de Georges Franju

En seguida el autor de la película nos introduce en un contexto surrealista mostrando un París que no es idílico, en donde muestra objetos que pertenecen al interior de las casas, se ven en un exterior, como una especie de basurero. Objetos que se combinan extrañamente y que también son rastros que recuerdan a la guerra. Luego entramos a un matadero de las afueras de París, donde los trabajadores hacen lo suyo, lo que se muestra como un trabajo peligroso, pero un trabajo más: matar animales para el consumo humano. Nos presenta una estructura en donde vemos por como se mata a cada animal. Siempre hay un acercamiento al animal antes de que lo maten. En este sentido, es una película que provoca mucho al espectador, tiene un humor muy negro y una crueldad surrealista. El espectador entra en un estado de shock, un estado puramente emocional, por lo que provoca una descarga. Sin embargo, la forma en la que está filmada provoca que esto no sea pornográfico. En mi punto de vista, ver esta película es un gran ejercicio, no solamente por su valor cinematográfico, sino porque me parece que estamos muy alejados de los procesos naturales de las cosas, como lo es la matanza de un animal que comemos frecuentemente. Probablemente muchos dejarían de comer estos animales si ellos mismos los tuvieran que matar.

En contexto de la carne surrealista… y la comida…

Segunda parte
http://www.youtube.com/watch?v=LhX1tvTgqC8

Documental social: El trabajo – Night Mail de Basil Wright

Este documental nos presenta un retrato del servicio postal inglés. Es una visión del trabajo que idealiza la modernidad. El tren para empezar, es un gran símbolo de los inicios de la industralización. El trabajo que se lleva a cabo y todas las relaciones de trabajo se muestran armoniosas. Cada parte del engrane funciona perfectamente. Las actuaciones actualmente nos parecen falsas, recordándonos los infomerciales o videos institucionales. Nos da un mensaje casi propagandístico combinado con poesía futurista de W. H. Auden. El montaje rítmico y el sonido es otro medio poético que utiliza para enfatizar la armonía de la máquina en conjunto con el hombre.

Otra visión de los trenes…de juguete:

Visiones sobre la guerra – Atomic Cafe de Kevin Rafferete

Atomic Cafe nos presenta con gran humor la visión controlada que tenían los norteamericanos sobre la bomba atómica. Nos muestra como a partir de propaganda política y militar tratan a los ciudadanos como idiotas. Lo más impresionante es que la gente lo creía, ya que no tenían la inormación que ahora sabemos sobre la bomba atómica. Hicieron creer a mucha gente que a una bomba con capacidades masivas de destrucción era posible sobrevivir tapándose con un mantel de picnick o escondiéndose debajo de un pupitre. Así mismo, la propaganda afirma que el tener la bomba les da un poder necesario frente al enemigo ruso. Ahora nos hace reír, la propaganda norteamericana de los 50’s nos parece totalmente inverosímil, es verdaderamente un chiste.

Visiones sobre la guerra – El Especialista de Eyal Sivan

El personaje: Adolf Eichmann
En esta película los jueces pretendían encontrar un culpable, un responsable al genocidio de la Segunda Guerra Mundial. Leo T. Hurwitz filmó 350 horas de material en video, y se esperaba con el producto hacer pública la escenificación del mal. Para su desgracia, los judíos no encontraron lo que esperaban. Encontraron que el material no revelaba que Eichmann era un monstruo, por lo que no servía para los fines del estado israelí. Durante la película podemos ver cómo Eichmann permanece en su papel de burócrata, donde revela que era parte del sistema y se declara no responsable, simplemente seguía órdenes. Pero podemos ver al final que uno de los jueces rompe al personaje en donde demuestra una conciencia dividida, porque aunque siguiera órdenes, sabía lo que estaba haciendo.
La forma en la que está filmado me llamó mucho la atención , muchas veces tiene un juego de reflejos entre los jueces y Eichmann que me parecen muy creativos, a pesar de que en un juicio los personajes se mantienen muy estáticos, los planos entretienen visualmente a través del encuadre (y el montaje).
Con lo que nos quedamos de este documental es la pregunta cómo es que alguien tan normal pudo ser capaz de organizar semejante matanza. En el campo de la psicología se hicieron varios experimentos que nos demuestran de lo que nuestra sociedad es capaz de hacer.

Psicología en Das experiment

Psicología en la primaria

Los vídeos de Vodpod ya no están disponibles.

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También un poco de filosofía:

Sobre Standar Operating Procedure – Errol Morris
El mismo fenómeno se repite en las guerras.

Y….también en la ficción

Visiones de la guerra – Human Remains de Jay Rosenblatt

Esta película nos hace cuestionarnos sobre los estereotipos de los grandes dictadores, figuras históricas que personifican el mal de los que no imaginamos su parte humana.
Durante la película descubrimos a través de un voice over de los dictadores que en forma entrevista o lectura de un diario. El voice over está cuidadosamente realizado al idioma natal del dictador y hablado por un imitador que asemeja acertadamente la voz de cada uno de ellos. Los textos también se sacaron sus diarios y escritos. La imágenes son de archivo, también de su vida cotidiana. Esto nos da como resultado una especie de confesión de estos personajes pensando, como fantasmas que se levantaron de la tumba para decirnos sus secretos. Es por eso que los intercortes entre dictadores son tomas de alguien excavando. El audio del viento genera una tensión detrás del voice over.

Es un desentierro de las curiosidades más íntimas de estos personajes. Combinado con un humor muy negro, estas confesiones nos modifican la percepción que teníamos de los dictadores, se desmitifican. La personificación se vuelve esencial, ya que enriquece documentos existentes en la combinación de uno nuevo que nos hace reflexionar. Salen a la luz gustos raros, traumas, y aspectos de la vida cotidiana, que de otra forma se hubieran quedado enterrados en la tumba del mal.

Fragmentos de Hitler

Los Poemas de Mao.

Winter Clouds (1962.12.16)
Winter clouds snow-laden, cotton fluff flying, None or few the unfallen flowers. Chill waves sweep through steep skies, Yet earth’s gentle breath grows warm. Only heroes can quell tigers and leopards, And wild bears never daunt the brave. Plum blossoms welcome the whirling snow; Small wonder flies freeze and perish.

http://maoist.wikia.com/wiki/Selected_Poem%27s_of_Mao_Zedong

Filmografía de Jay Rosenblatt
http://www.jayrosenblattfilms.com/index.html

The Smell of Burning Ants
http://www.jayrosenblattfilms.com/smell.html
Period Piece
http://www.jayrosenblattfilms.com/period.html

Visiones de la guerra -Noche y Niebla de Alain Resnais

Alain Resnais en esta película nos muestra un acercamiento a algo doloroso para la memoria colectiva: el genocidio nazi. Realmente es todo un reto representar el horror, llevar al espectador a la experiencia y a la catarsis. Para lograrlo, Resnais utiliza elementos muy acertados llevarnos la experiencia deseada.

Empezamos con una tomas de lo que ahora son los campos de concentración. La estructura de la película claramente nos revela que se trata de reconstruir una experiencia. Nos lleva a lo largo de todo el recorrido del porceso del genocidio, desde la construcción de los campos, la deportación, la llegada, la vida dentro de ellos, hasta su muerte.

Durante esta estructura, saltamos entre tomas a color y tomas en blanco y negro. Este juego tiene una la relación interesante. El material a color se maneja con una cámara subjetiva; recorre los lugares, los campos de concentración abandonados. Es un movimiento suave, como un recorrido mental de la memoria. Representa el presente, a la memoria colectiva.

Las imágenes en blanco y negro, tanto fotografías como película, representan la monstruosa realidad histórica. Son imágenes de archivo originalmente de uso militar, únicamente para el estado, y no se planeaba que salieran al público. Es interesante que después de la Segunda Guerra Mundial y Vietnam, se aprende muy bien a controlar las imágenes de la guerra, no solo de propaganda, sino periodística.

De esta forma, vemos que entremezcla lo que pasó con lo que se recuerda, aunado a una voz que representa la experiencia. La voz en off durante la película también influyen al espectador a involucrarse. Al principio la voz en off es más bien descriptiva, no involucra. Luego hay un diálogo con el público, en el que lo va involucrando. Al final la voz en off nos habla en plural: «Vemos» «nosotros», acercándonos totalmente.

El elemento más fuerte que utiliza Resnais es sin duda la utilización de un lenguaje poético. Es simplemente dejar siempre un vacío, el cual lo completará el espectador con la imaginación. Las tomas de grandes cantidades de pelo, zapatos, peines, las cámaras vacías, los arañazos en la pared. Todas estas situaciones nos hacen pensar en huellas de algo que sabemos que pasó. Los zapatos, sabemos que cada uno de ellos perteneció a una persona. Trasladamos el sentido de una cosa a otra, en este caso, la vida de una persona es representada por los zapatos.

Hay una parte muy fuerte en donde vemos que están juzgando a los oficiales: «Yo no soy responsable, dice el oficial» «Yo no soy responsable. Entonces, ¿quién es el responsable?» Seguido de esto, nos presentan cadáveres en una fosa común. En esta parte, el narrador nos provoca entrar en conflicto por encontrar una respuesta, y a la vez, genera una complicada reflexión sobre la maldad.

El mensaje de esperanza de Resnais no sólo queda en el aprender del pasado, de un hecho, para que no se vuelva a repetir. Resnais va todavía más profundo. Nos habla de que en las situaciones más terribles el hombre es capaz de crear, «Fabrican cucharas y marionetas con disimulo. (…) Consiguen escribir, a ejercitar la memoria, con los sueños». Pueden encarcelar gente, pero nunca le van a quitar lo que piensa, siente y recuerda. Es el último refugio del ser humano en estas condiciones, la mente, la expresión a través del lenguaje o el arte. Al recordar detalle a detalle la experiencia del genocidio, se pretende que la memoria colectiva absorba el recuerdo, y por lo tanto que quede libre este recuerdo. La película es un desahogo.

De la época – Lenni Riefenstahl: